“Don Quijote”, por el Ballet de Camagüey, en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, en La Habana. Foto: Yuris Nórido.

Comenzamos nuestro comentario crítico de esta versión del conocido clásico “Don Quijote”, con fragmentos de las declaraciones del autor de la puesta en escena para el Ballet de Camagüey, el bailarín y coreógrafo cubano Gonzalo Galguera, por más de un lustro director artístico de la compañía alemana Ballet de Magdeburgo. Su visión nos ayudará a entender sus pretensiones primordiales para emprender este loable empeño de enriquecer el repertorio de esta agrupación regional. Acertado enfoque artístico de su directora general Regina Balaguer, con sede al oriente de la capital cubana.

El responsable de este particular montaje de uno de los importantes caballos de batalla de la danza académica decimonónica, advirtió en un portal online: “nadie espere otra versión de la coreografía tradicional”. Galguera es consciente del valor artístico que tiene la inclusión de esta obra en el catálogo de este conjunto de la oriental provincia cubana, “ella, dijo, ha marcado el desarrollo de muchas compañías”, que inmediatamente lo fundamenta: “una producción como “Don Q” es necesaria en el mundo del ballet. Hoy por hoy, la tendencia es a servirnos y consumir todo muy rápido.

Un ballet de largo aliento como este, nos recuerda que hay que tomarse el tiempo (necesario) para ver, para contar, para comunicar, porque el ballet es algo más que hacer una pirueta, o celebrar gestas circenses. Ballet es contar historias, darle a la forma un contenido, puesto que la esencia de las artes escénicas es comunicar”.

Su propia versión de este conocido título se ha visto enriquecida por varias versiones existentes, en las que bailó distintos papeles, entre ellas la puesta de Rudolf Nureyev o de Michael Denard, siempre consciente de que la “traducción” a su lenguaje debía hacerla con respeto, “evitando caer en el plagio”. No obstante, es evidente en el resultado aquí apreciado, que no pretendía hacer “algo original…solamente comunicar su mensaje al espectador”.
Como se sabe lo esencial, para Miguel de Cervantes, el autor de la novela homónima, su protagonista Don Quijote es un personaje alegórico de la locura “entrañable” del artista, es decir “un idealista, todo un enamorado de la utopía”.

Por lo tanto, Galguera otorga mucha importancia a la pantomima que debe interpretar cada uno de los bailarines al encarnar los personajes de los capítulos de la novela que aparecen en este ballet, tanto los protagonistas como los secundarios.

Gonzalo Galguera, en su versón de “Don Quijote”, otorga importancia a la pantomima.Foto: Yuris Nórido.

En este montaje observamos una nueva concepción dramatúrgica y coreográfica, si nos remitimos a la referencia más próxima, es decir la del Ballet Nacional de Cuba, o tal vez de las rusas que han desfilado por los escenarios cubanos.

En consecuencia, podemos señalar el tempo lento en general, y en particular más apreciable en el largo prólogo. Las complejidades coreográficas tienden a ser riesgosas, teniendo en cuenta que son asumidas por bailarines novatos, si bien poseen buena formación técnica y algunos un talento en ciernes.

La escenografía minimalista fue concebida para un escenario más pequeño que el habanero de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, sin embargo es aceptable, los arreglos y orquestaciones musicales de la partitura de Minkus, son más rapsódicos y, en ciertos momentos, anticlimáticos. El vestuario, en cambio, no siempre es de buen gusto, en nuestra opinión.

Esta puesta en escena se salva en gran medida por la apasionada y sincera entrega de todo su elenco, por su energía y goce en el baile. Hubo buen desempeño en las caracterizaciones por parte de los solistas, aunque las desigualdades estaban a la orden del día en el cuerpo de baile. Merecen destaque especial las prestaciones de Rosa Armengol, Sarah Miranda, Laura Rodríguez, y entre los muchachos las de Isnel Ramos y Alain García. Unas muy brillantes promesas. Es una verdad de Perogrullo: no todo son giros múltiples, grandes saltos, interminables balances en los “solos” o “variaciones”, también cuenta, y mucho, el pulido en el trabajo de pareja. Seguramente los capaces ensayadores superarán estos detalles en futuras representaciones.

“MalSon” es el título en catalán de la más reciente y novedosa propuesta minimalista de la pequeña compañía cubana DanzAbierta, presentada en el teatro Mella de La Habana. Fotos gentileza de DanzaAbierta.

“MalSon” es el título en catalán de la más reciente y novedosa propuesta minimalista de la pequeña compañía cubana DanzAbierta , fundada hace poco menos de dos décadas por la bailarina y coreógrafa Marianela Boán –residente en Estados Unidos–, y que ahora está bajo la dirección artística de Guido Gali.

La pieza, ganadora de la II Bienal de la Danza del Caribe, es un logrado ejercicio de astucia coreográfica concebido por la inteligente bailarina y coreógrafa española Susana Pous (otra prueba de ellos fue su creación precedente en 2008, para este mismo conjunto). A partir de su sugerente y ambiguo título, con su inherente y cáustico juego idiomático –ya que en castellano pudiera traducirse como alucinación o pesadilla–, se sirve de él como pretexto para aplicar la trillada máxima de “menos es más” en su discurso escénico, el cual transita una particular “elaboración narrativa”, así como la “improvisación” (en esto es deudora de la desaparecida Pina Bausch, a la cual dedicara la primera función con una ovación sostenida del público que colmó el teatro Mella de la capital cubana).

Fundamental para el éxito de la obra, fue la creativa colaboración del compositor de música rock y electroacústica Equis Alfonso (compañero sentimental de Pous), tanto por el aporte de los recursos musicales como los multimedios high-tech, muestra evidente de sus afinidades estéticas.

Esto queda demostrado con los precisos y puntuales diálogos entre los dispositivos escénicos, las imágenes proyectadas en una pantalla central como ciclorama, los elementos sonoros, y la danza, ejecutada por cinco jóvenes bailarines (tres chicas y dos chicos, en una emocional y visceral entrega, vestidos con figurines sobrios y elegantes, con un guiño a las pasarelas), que introducen en la inquietante pesadilla de la realidad cotidiana del habitante de a pie de la Cuba actual.

Estas elocuentes “rupturas y continuidades” sirven a Pous para comunicar esta visión foránea honesta del vital micromundo social de la juventud de la isla caribeña (o la habanera, si se quiere). Entre movimientos volísticos, descontruciones coréuticas y marchas, y la brusquedad de los elementos corporales del contact, se mantiene la organicidad de la obra, a pesar de las idas y venidas de lo real a la ficción. Todo esto apoyado con el soporte fílmico de hermosas y a veces patéticas imágenes panorámicas del litoral habanero, tanto el muro del Malecón, pieza de concreto que ampara a la ciudad de las corrientes del Golfo de México, o la imagen del archiconocido faro de El Morro, cual enhiesto falo de un guardián protector de la simbólica entrada de la bahía capitalina (“violada” en 1762 por la Real Armada inglesa).

Ese “rejuego” de imágenes y danza desvela los deseos reprimidos, las relaciones humanas agresivas o ególatras de los congéneres ejecutantes, con el irónico soporte de la conocida canción de la afamada compositora Marta Valdés, “Tú no sospechas”. Tras el “black-out”, un instante de duda, luego rompió una estruendosa y aprobatoria ovación.

El premio otorgado por un jurado presidido por Jean-Paul Montanari, director del importante Festival Montepellier Danse, incluye una gira por ciudades de Francia, así como presentaciones en la programación de dicho festival en 2011.