Isabel Bustos (ctro.) recibió el Premio Nacional de la Danza en Cuba. Foto gentileza Retazos.

Cubana por adopción, la coreógrafa ecuatoriana Isabel Bustos acaba de recibir el Premio Nacional de Danza 2012 en reconocimiento por su aporte a la danza. Fundadora del grupo Retazos, fue pionera en el lanzamiento de un festival de danza callejera que hoy tiene reconocimiento internacional y marca escuela.

Cuando empezó, armó un conjunto integrado por siete bailarines, ahora son cerca de 30 personas, y tienen tres festivales. El Callejero lo iniciaron pensando en la gran escenografía que es el Centro Histórico de la Habana Vieja. Siempre le gustado los retos…

¿Cómo llegas a Cuba?

Isabel Bustos: En los primeros años de la Revolución a mi padrastro lo nombran embajador de Ecuador en Cuba. Llegamos mi madre, mis hermanos y yo, y en seguida mi madre se deslumbró con el proceso revolucionario cubano. Dos años después, cuando a mi padrastro lo asignan para otra embajada, ella decide quedarse, apasionada como estaba por lo que ocurría en esos años 60. Así que mi hermana Pilar ingresó a la escuela de artes plásticas y yo a la de ballet. Eso significó mucho para mi. Entonces el maestro Fernando Alonso estaba a cargo, y Loipa Araújo, Josefina Méndez, esas grandes bailarinas, se iniciaban como maestras de ballet. Había rigor, dedicación y entrega en la enseñanza. Cuando terminé decidí irme con el maestro Guido González, que era muy creativo y en una línea contemporánea. Me pareció que esa opción era mucho más clara para mí, porque en verdad estaba en ballet por mi madre, pero ni mi estructura mental ni física se ajustaban para que fuera un cisne.

¿Qué acontece en Ecuador posteriormente?

IB: En Ecuador, primero, estuve estudiando Sociología, empero había una maestra que por esa época quería fundar la Compañía nacional de danza. Por su insistencia volví a la danza, y fuimos parte de la generación que fundó esa compañía en el Ecuador. Allí hice mi primera coreografía: “Cono Sur”. Trataba el tema de la represión en Chile. Luego estudié en México, en el Centro Superior de Coreografía, y también realicé estudios en París. Estas experiencias fueron muy importantes, al poder intercambiar con diversos coreógrafos y agrupaciones de muchas partes del mundo. Y estando en París, me percaté de que tenía que regresar a trabajar en América Latina, porque en Europa muchas cosas estaban hechas y aquí había mucho por hacer, y porque los lenguajes siempre iban a ser diferentes. Los latinoamericanos somos más afectivos y tribales, tenemos otro pensamiento. De ese modo conoces y te reconoces, sabes que perteneces a un continente, y dices: “aquí es donde voy a plantar la bandera”.

¿Por qué regresas a Cuba?

IB: Después de dar vueltas por muchos lugares, me dije: “No, es en Cuba”, y aquí me quedé. Mi familia estaba involucrada afectivamente con el movimiento revolucionario. Se sentía la euforia de la época. Creo que la vida no tiene sentido si uno no construye algo para la sociedad donde vive. No se puede vivir mirándose el ombligo. Y pienso que este mundo es quizás más difícil, pero también es muy auténtico, un lugar donde podemos ser nosotros mismos y hacer por los demás. Aquí no te arrastra la vorágine de la sociedad de consumo. Fuimos también una sociedad de jóvenes que crecimos de una manera diferente, no siempre con la velocidad que queríamos para hacer las cosas, pero, así y todo, la vida tenía más sentido. También me casé en Cuba y mi hijo es cubano, además de bailarín y coreógrafo residente en Suecia, y aunque ha sido un gitano como toda mi familia, sus raíces están aquí, y él regresa y hace alguna obra en Cuba todos los años.

En 1987 fundas “Retazos”…

IB: La primera generación de Retazos fue muy sacrificada. En esa época yo no tenía local propio, y trabajábamos en la sala de mi casa que era de 4 x 4. Apartábamos los muebles y allí realizamos el primer espectáculo, que luego presentamos en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, mil veces más grande que mi sala. Se llamó “Mujeres”. De ahí salté a cientos de lugares…y comenzó entonces a denominarse Danza-teatro, por deseo de la actriz y directora Raquel Revuelta con motivo de una evaluación que otorgaba la aprobación profesional oficial de la compañía. Luego vinieron tiempos duros, que denominamos período especial, tras el derrumbe del campo socialista europeo, cuando se cerraron muchos teatros. Por esa época fui al municipio de la Habana Vieja para ver locaciones, me encantaban los espacios y esperaba encontrar un jardín o un parque para trabajar.

¿Acaso así nace el Festival llamado popularmente “el callejero”?

IB: Bueno, ¡cuando empezamos éramos cinco gatos! Yo veía que la danza se quedaba en los teatros, y la que se bailaba en la calle era muy subestimada. Lo que el Festival ha hecho es revalorizar el movimiento artístico en la calle y la relación del público con la danza. En la Compañía siempre hemos apoyado los nuevos proyectos, la libertad de creación, la improvisación. Hoy, Retazos es como un laboratorio: lo caracteriza la búsqueda constante. Eso ha influido en su estilo. Hay una forma de moverse, un tiempo que está inspirado mucho en conceptos, hay una dramaturgia. En otras compañías es muy importante la técnica, exhibir el cuerpo. Nosotros hacemos una danza que quiere ser, esencialmente, muy emocional.

¿Qué significa Retazos en todo este contexto?

IB: Retazos ha sido un poco ese rebelarse ante la adversidad, asumir el reto, y creo que esa ha sido su fortaleza: la perseverancia, el no detenerse nunca ante ideas claras y concretas, no darse el lujo de cansarse. Hoy, tenemos el apoyo del Ministerio cubano de cultura y somos parte de la Oficina del Historiador de la Ciudad, que tutela el curador magnífico Eusebio Leal, gracias al cual este sueño es posible, porque antes, como dije ya, éramos nómadas migrando con maletas en las espaldas y los proyectos en la mente. Esta sede definitiva ha sido el escenario donde Retazos se convirtió en un proyecto mucho más amplio de lo que ninguno de nosotros pudo imaginar al inicio.

Entrevista autobiográfica de la coreógrafa cubana por adopción extraída del primero de los boletines editados ad hoc con motivo del XVII Festival internacional de danza en paisajes urbanos: Habana Vieja, ciudad en movimiento, durante la última semana del mes de abril. Transcripción y edición RM (Cuba).

"Narcisación", obra de Isabel Croxatto que se inspira en los mitos griegos. Foto gentileza de Abundanza.

El 23 de abril la compañía Abundanza, dirigida por Isabel Croxatto, presentó “Narcisación” en la inauguración del Festival Off- Fidet (Festival Internacional de Artes Escénicas y Transdisciplina).

Un conjunto de acciones performativas como “experimento escénico a tiempo real” en las que una veintena de artistas fueron invitados a apropiarse y reautorizar “Narciso el Extasiado (2009-2011) work in progress” de Isabel Croxatto y Abundanza.

Para esta propuesta, por primera vez, se realizó un casting de público, convocándolos como observadores conectados a sus propias redes, capaces de replicar instantáneamente esta experiencia escénica con sus dispositivos móviles, (teléfonos y/o cámaras), como espejos virtuales.

“Narciso el Extasiado” se inspira en los mitos griegos: Narciso y Eco; Penélope y Ulises; Ariadna, el Minotauro y el laberinto.

Los artistas fuimos invitados a revisar el material registrado durante el proceso de investigación, creación y performance de estos tres años y que la autora subió al blog de “Narciso el Extasiado” para que los participantes lo conocieran.

Como en las presentaciones anteriores mi rol es el único constante.

Lo he desarrollado a partir del mito de Penélope y Ulises y haciendo un cruce con el mito de Narciso.

Mis acciones performativas tienen como base la espera, el paso del tiempo y el enfrentarme al espejo y a la imagen que me devuelve ( y que no coincide con la que quisiera…).

Las presentaciones, los artistas y los espacios durante estos tres años de work in progress han sido siempre diferentes.

En esta oportunidad, el desafío ha sido el encuentro en el espacio escénico, no sólo con otros performers sino también con el público/actor que nos persiguió con sus medios de registro, durante las dos horas de la presentación.

La experiencia fue muy estimulante, ya que ninguno de los que participamos sabíamos que iba a hacer el otro. Pero al ser todos “Narcisos”, y ocuparnos en primera instancia del propio discurso, le dio a la performance, una riqueza insospechada.

Las únicas pautas recibidas antes de comenzar, fueron realizar tres ciclos: uno- individual- Narciso; dos- relacionarse con otro- Penélope y Ulises; tres- el laberinto Ariadna y el Minotauro. Cada uno podía realizarlos en el orden que quisiera.

Y todo comenzó.

Mabel Diana integró el elenco de "Narcisación" en el Festival Off- Fidet. Foto gentileza Abundanza.

La entrada primero de los portadores de dispositivos móviles que eligieron a que artista seguir en primera instancia, y luego la incorporación del público en general. Esta situación generó la rara sensación de estar perseguidos por paparazzi, que se transformaron en Espejos/Ecos de los artistas.

Dentro de los performers había bailarines, actores, diseñadores de iluminación, artistas visuales, músicos y teóricos de las artes. Todos interviniendo la escena común y contaminando la creación de los otros.

El haber participado en las presentaciones anteriores, todas ellas con elencos y consignas diferentes, hizo que pudiera recurrir a todo el material guardado en mi memoria corporal y re utilizarlo. El estímulo de estar en otro espacio y con otros compañeros de aventura, hace que lo imprevisible cobre valor insospechado y convierta la experiencia en única.

Como en todo el proceso llevado a cabo durante estos tres años, el resultado ha quedado registrado en diferentes medios, y por diferentes personas. Pero esta vez, además, fue comunicado en forma inmediata por twitter y facebook, lo que hizo que la difusión del evento escapara del control de los artistas y viajara por las redes hacia esos otros, desconocidos y lejanos.

Los participantes

Andy Dockett , Anita Barros, Antonia Peón Veiga, Carlos Gallardo, Felipe Luck, Francisco López, Guillermo Ganga, Isabel Croxatto, José Olavarría, Ítalo Tai, Karola Lucavecchi, Mabel Diana, Macarena Arrigorriaga, Nury Gutes, Ricardo Loebell, Sebastián Jatz, Vicente Ruiz

Productor General : Manuel Rojas

Curadoría de Obra: Valeria Radrigán

Curadoría Performers: Isabel Croxatto

Ver más en:

www.narcisoelextasiado.blogspot.com

http://www.gallardoelextasiado.blogspot.com/

Ballet Independiente con la dirección general de Magnolia Flores presentarán “Arrieros somos”. Fotos gentileza ¡Viva Flamenco!

Una mezcla de estilos y tendencias, una fusión de lo que parecería imposible de unificar en un solo día, una búsqueda de elementos y consignas permiten sumar elementos de la danza. Los martes 15, 22 y 29 de mayo se presentan tres compañías juntas con el espectáculo “Expresiones de un arte, un espectáculo en tres movimientos”.

La cita es en el Teatro Wilberto Cantón de Colonia San José Insurgentes, en México.

ÍO Tango Artes Escénicas presentará la obra: “Tango, óleo sobre tela”. Foto gentileza de ¡Viva Flamenco!

La idea surgió de tres artistas compañeras de trabajo, dedicadas al arte de la danza: Leticia Cosío, Eliza Rodríguez y Magnolia Flores. La intención fue brindar al público, tres diferentes expresiones de un mismo lenguaje que es la danza.

Leticia Cosío directora de la compañía ¡Viva Flamenco!, ganadora del “Reconocimiento a la Mejor Compañía de Danza Flamenca en México” (2010) otorgado por la Asociación Nacional de Locutores de México, A.C. presenta un momento de su programa Pasiones en Rojo.

Un exhorto a la mujer; a que cada una se atreva a ser ella misma, en todas y cada una de sus dimensiones.

La maestra Elisa Rodríguez con la compañía ÍO Tango Artes Escénicas presentará la obra: “Tango, óleo sobre tela”, coreografía sobre el proceso que vive un pintor para concluir uno de sus cuadros; la necesidad de hablar sobre la complejidad de la mente de un artista y su sentir.

Ballet Independiente con la dirección general de Magnolia Flores y dirección artística de Edgar Robles presentarán “Arrieros somos” en la primera función.

¡Viva Flamenco! hará un fragmento de su programa "Pasiones en Rojo". Foto gentileza ¡Viva Flamenco!

En la segunda y tercera funciones presentarán obras del Concurso Interior de Coreografía 2011 y “Tabú”.

Informes y compra de boletos vía correo electrónico o en taquilla

www.vivaflamenco.com.mx

balletindependiente2003@yahoo.com.mx

elisaostuni@hotmail.com

El NDT2 presenta en su gira “Left Right Left Right”, de Alexander Ekman. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza de NDT.

El grupo de jóvenes bailarines del Nederlands Dans Theater, el NDT 2, lleva esta primavera por Holanda, un programa muy alegre, reflejando el entusiasmo y el optimismo de la juventud.

Las tres piezas son creaciones de ex bailarines del NDT, quienes más tarde en su trayectoria se lograron destacar como magníficos coreógrafos. “Offspring”, de Lukas Timulak, es una obra que se estrenó hace tres años, justamente en el mismo día del nacimiento de la hija del coreógrafo, como una ironía del destino. La emoción y los temores de convertirse en padre logran expresarse hermosamente en esta danza lírica y fluida. El nuevo elenco de bailarines la interpretó maravillosamente.

En su nueva obra, Johan Inger continúa esforzándose para que los bailarines exploren su identidad artística y se muestren tal como son al aparecer en escena. Si bien su anterior trabajo para el NDT 1 era una especie de boceto más bien gris, esta nueva obra está llena de vida y enternece por su honestidad y su simpleza. La obra contiene canciones de Van Morrison que van de lo sentimental a lo alegre y se titula “I new then”.

La gama de todas esas emociones debe de haber afectado el corazón de los bailarines, quizás porque comparten con otros jóvenes esa hermosa sensación de enamorarse. Los bailarines realizan solos que son como pequeños autorretratos, descubriendo su propio carácter en una especie de búsqueda introspectiva. Astrid Boons se mostró conflictiva, reflejando tal vez un alma desolada, con gestos frenéticos, como queriendo escapar de sus propios recuerdos. Pero lo que se roba la obra es el exquisito dúo de Myrthe van Opstal y Quentin Roger. El se inclina a sus pies, despejándole el camino como en un ritual de apareamiento, el cual termina con los dos mirándose fijamente a los ojos, mientras se van desnudando. Muy absorbido en sí mismo, como un desdichado observador que se ha desilusionado del amor, Spenser Theberge ejecuta un solo casi salvaje, que cautivó a la platea. Exclamando simplemente “oh!”, pero con distintas inflexiones de la voz, refleja sorpresa, vergüenza, resignación y miles de otras emociones hasta que al final, presa del pánico, acaba por pegarse un tiro. El ritmo relajado, fluido y por momentos llenos de “swing” de la obra nunca es predecible y es, además, muy expresivo. Resumiendo, la obra rezuma claridad, transparencia y sobre todo, color y vida.

Pero la pièce de résistance de la velada llegó de la mano de Alexander Ekman, el más joven de los tres coreógrafos y uno de los más requeridos en estos momentos a nivel internacional. No solamente sabe divertir con su chispa sino que también azuza el intelecto y sobre todo, la imaginación. Su nuevo trabajo, “Left Right Left Right”, basado sobre el concepto de movimiento viajero, constituye una experiencia sobrecogedora. Ekman utiliza el cuerpo de los bailarines a modo de instrumentos en su compleja partitura sonora, ya sea desde respirar fuerte hasta gritar, dar pisotones en el suelo, dar palmas y golpearse el cuerpo. A continuación se puede disfrutar de un gracioso vídeo donde aparecen los bailarines haciendo sus piruetas por las calles de La Haya, casi a modo de un flash mob.

Pero la parte más espectacular de la obra es aquella en que los bailarines realizan verdaderas proezas de danza, montados sobre una docena de norias dispuestas diagonalmente. Para esto no sólo se necesita una gran determinación, sino también concentración absoluta para poder caminar, patinar, dar volteretas y subir y bajarse de las norias sincronizadamente como parte de una coreografía creativa e intrincada. Uno contiene la respiración deseando que nadie se lastime y al final no puede hacer otra cosa que quitarse el sombrero en homenaje a esos increíbles bailarines que saben sacar adelante el espectáculo de manera tan magnífica.

Lizt Alfonso Dance Cuba presentó en el Teatro Karl Marx "Amigas". Foto gentileza de Lizt Alfonso Dance Cuba

El público habanero, seguidor incondicional de los espectáculos de Lizt Alfonso Dance Cuba, la compañía que fundó y dirige con rigor y disciplina desde hace 20 años Lizt Alfonso, pudo disfrutar en el teatro Karl Marx del estreno en Cuba de su nuevo espectáculo de gran formato, “Amigas”, anteriormente estrenado con gran éxito en escenarios de Alemania.

Esta nueva producción de Alfonso continúa la línea de la precedente, “Vida” –que contó con la estelar diva del BuenaVista Social Club, Omara Portuondo–, y requiere de un amplio despliegue de recursos escénicos para que las 10 escenas que desarrollan la historia central de este llamado “dancical” –término anglosajón acuñado hace años por el crítico inglés afincado en NYC Clive Barnes–, fluya sin desfases ni retrasos.

La creadora de esta pieza insiste que no debe compararse con una comedia musical, tal como se le conoce en Broadway, ni tampoco con “Vida”. Es un “dance musical” que ella califica de “producción ambiciosa”, reto obligado para festejar dos décadas de una trayectoria artística meritoria, en muchos sentidos, de bien hacer.

Explica Alfonso que pretendía aquí contar, teatralmente, una historia muy cubana, alejada del clisé con el cual la publicidad turística la ha encasillado. Lo ha tratado de realizar durante el transcurso del espectáculo, pero no siempre lo consigue. Ella se ha esforzado para lograr el equilibrio de los elementos esenciales: que la danza tenga tanta importancia como la música y la interpretación (una experimentada actriz de cine y tv, Larissa Vega, trabajó arduamente con todo el conjunto).

Esta vez, intervienen en escena 26 bailarinas, y excepcionalmente tres bailarines de fuste: Vadim Larramendi, Oddebí García y Joan Morell , que fueron acompañados en vivo por una afinada banda musical de doce notables instrumentistas.

Las “amigas” protagonistas fueron encarnadas por seis vocalistas de proyección y presencia escénica atractivas: Niurka Reyes, Sory y la revelación de la noche, la muy aplaudida Yaima Sáez (voz bien timbrada y colocada, adornada con una elegante gestualidad). Así como las partes bailadas por sus dobles especulares: Carmen Rosa López, Ana López y Claudia Valdivia.

Las coreografías exhiben una estructura definida y un diseño espacial diverso, ajustadas a las intenciones previstas por Alfonso, con una sincronía peculiar en su gestualidad y vocabulario de pasos en su acostumbrada fusión con los palos del flamenco y los bailes populares de la isla, evitando las confusiones.

La cubanía de los ritmos musicales fluye conjuntamente con los bailables habituales de los salones de baile citadinos, icónicos en el mundo entero como el son, el chachachá, la conga o el bolero (sin desdeñas algún paso de tango arrabalero). La escena más alargada es la denominada “La Espiritualidad”, retomada del espectáculo “Vida”, es muy bien recibida por los cuatro mil espectadores que colmaron este coliseo durante tres semanas. Otra escena nos reservaba una impresionante entrega por los ejecutantes de la percusión de los rituales afro-cubanos.

Hubo resultados de excelencia en el diseño de luces, la escenografía (minimalista) y el vestuario de los conjuntos, aunque los diseños para las cantantes solistas no fueron felices en todo momento.

Para el final quedan los reproches a la dramaturgia, que podría calificarse del “talón de Aquiles” de “Amigas”. Pero una revisión ulterior de los elementos fundamentales de la narratología en la danza, así como en el desarrollo de la acción teatral, redundaría en eficaz coherencia dramática para un final más convincente.

Sinopsis del guión de Juan Carlos Coello:

El espectáculo transcurre en el plató de un programa de la televisión cubana, “Música y Estrellas”, en la actualidad, al cual han sido invitadas Mercedes, Caridad Y Regla, las integrantes del otrora trio de voces “Amigas”, uno de los más populares e importantes de su momento (finales de los 50 o principios de los 60 del siglo pasado), que sin causa aparente se desintegró cuando estaba en la cima de su fama. Ya son mujeres maduras, pero todavía hermosas, las cuales son compulsadas a contar lo que sucedió: el por qué de su separación cuando el público más las adoraba. Del espectacular cuerpo de baile de esta emisión televisiva surgen tres bailarinas especulares de las cantantes–protagonistas que interpretan las distintas etapas de sus vidas. La orquesta las acompañará en las interpretaciones de los números más gustados de sus repertorios. El amor, el dolor, el perdón y la reconciliación se sucederán en el set, para demostrarnos que, si la amistad es verdadera, ella prima sobre todas las cosas.

“Entomo”, pieza de 12 minutos creada por EA&AE Elías Aguirre&Álvaro Esteban se presenta en Washington, DC. Foto gentileza Spain arts & culture.

La joven compañía española EA&AE Elías Aguirre&Álvaro Esteban participa, presentada por SPAIN arts & culture –el programa cultural español en los Estados Unidos –, en la primera edición del Festival “Look Both Ways: Street Arts Across America” que se realiza en Washington, D.C. del 6 al 13 de mayo. Organizado por el Kennedy Center, el festival ofrece actuaciones gratuitas alrededor de la ciudad, e incluye espectáculos de gran formato, músicos de calle, pasa-calles, marionetas, artes circenses, clown y otras actividades en las que participan artistas de distintos países.

Durante una semana los jóvenes creadores tomarán las calles de la capital de los Estados Unidos para presentar sus obras ante el público local.

La compañía EA&AE Elías Aguirre&Álvaro Esteban presentará en esta oportunidad la obra “Entomo”. Esta pieza de 12 minutos del dúo coreográfico español, ha ganado el Primer premio en el concurso de Burgos-Nueva York (España, 2010); el Primer Premio en el Concurso Iberoamericano de Danza Alicia Alonso (2010, Cuba) por la “madurez con la que fue concebida [...] por un dúo original y atrevido que despierta muchas implicaciones existenciales y filosóficas en la audiencia”.

“Entomo”, ganadora de múltiples premios, también recibió el Premio del Público en el concurso del Conservatorio Superior de Danza de Madrid (2009) y el Tercer Premio en el concurso Capturadanza de danza-video (Madrid, 2010).

“Donde insectos y humanos se juntan –describen la obra los integrantes de la compañía, Elías Aguirre y Álvaro Esteban–. A través de una lupa se observan dos pequeñas criaturas y el microcosmos que las rodea. Podrían ser humanos, podrían ser insectos. Territorialidad, la conquista de espacios”.

Una obra poco convencional que se inserta en la estética de la danza-teatro

Tras su paso por San Francisco, Albuquerque y Chicago, EA&AE ElíasAguirre&Álvaro Esteban ofrecerán tres actuaciones gratuitas en este festival.

Funciones en DC

11 de mayo – 8pm

Old Post Office Pavillion / 1100 Pennsylvania Ave., NW – Washington, D.C.

12 de mayo – 4pm

The Yards Park / Entrances at 3rd, 4th, and Water Streets, SE – Washington, D.C.

13 de mayo – 6pm

John F. Kennedy Center for the Performing Arts – Millenium Stage

2700 F Street NW – Washington, D.C.

“Rooster”, una obra dotada de un elenco variopinto, que evoca a una comunidad judía del centro de Europa. Foto: Yossi Zwecker. Gentileza HDF.

Cada dos años el equipo siempre tan visionario del Holland Dance Festival recorre el mundo en busca de los mejores espectáculos de danza y los trae a La Haya para exhibirlos durante el mes que dura el evento. Uno de los artistas más renombrados en estos momentos es el norteamericano-israelí Barak Marshall, quien comenzó a hacer coreografías casi por accidente.

El coreógrafo, que empezó a bailar a los veinticinco años, supo rápidamente llamar la atención y fue descubierto por Ohad Naharin, el director artístico conocido en los Países Bajos por sus trabajos para el Nederlands Dans Theater, quien le brindó la oportunidad de convertirse en el coreógrafo residente de la Batsheva Dance Company.

Pero a pesar de la influencia de Batsheva, Marshall supo preservar su estilo personal, capaz de crear apasionantes cuadros de  danza de primerísimo orden, llenos de originalidad y que dan fe de su feroz imaginación escénica. Haciendo uso de recursos naturales, va despellejando una a una las capas formalizadas y codificadas de la danza para acceder a la esencia misma del cuerpo en movimiento y llegar al corazón y al alma de los bailarines, logrando sobre el escenario la absoluta sinceridad tanto de los movimientos como de las emociones.

“Rooster”, la obra que su compañía presentó en el festival, es un espectáculo vehemente y muy animado, dotado de un elenco variopinto y colorido de doce personajes, con vestimentas bellamente evocadoras de una era pretérita en una comunidad judía de algún pueblo de la Europa del este a comienzos del siglo veinte.

La historia está basada en la obra “Bontsche, el silencioso”, de Y.L. Peretz, que cuenta la historia de un hombre extremadamente humilde, despreciado en la tierra pero alabado en el cielo por su modestia. Marshall interpreta esta parábola, sin embargo, en el sentido de que uno no debería tener una autoestima demasiado baja y aboga por confiar en los propios deseos y actuar en consecuencia. La obra, donde inclusive las preguntas existenciales tienen su lugar definido, narra las peripecias del protagonista y los sueños que éste tiene con su amada.

Debido a su timidez, el protagonista sólo consigue su amor en sueños. Es en ese estado onírico en que lo vemos contraer matrimonio con su amada. En varias escenas muy entretenidas, vemos danzar a  Bontsche, con sus ojos muy grandes y abiertos y su aire inocentón, a su amada que posee un temperamento tan suave como el de él y a una tercera mujer, la mala de la película, perversa acosadora que con humor impagable, completa el triángulo amoroso.

Los habitantes del pueblo constituyen el resto del elenco, incitando, adulando o provocando a los protagonistas, mientras que una cantante adopta el papel de madre y comenta sobre la acción al modo que lo haría el coro de una tragedia griega.

Los artistas logran darle vida al idioma de la danza de Marshall con vibrantes dosis de entrega y energía, danza que supo nutrirse (al igual que la pintoresca música), del crisol étnico de culturas en el que le tocó crecer.

Vemos secuencias sorprendentes, abruptas e inesperadas, ejecutadas con gestos certeros y articulados, sugiriendo infinitas posibilidades, frecuentemente realizadas al unísono y con sincronizaciones dotadas de un perfecto sentido del tiempo escénico. El espectáculo, a pesar de algunos estacatos, es visualmente brillante y lírico, con una musicalidad muy pegadiza (sobre todo, la parte de los valses).

Marshall nos dispara con una batería de astutos recursos escénicos, como las plumas de avestruz rosadas de vaudeville y hasta nos sentimos de pronto parte de un colorido cuadro de Chagall (donde solamente falta la vaca), cuando los pobladores levantan en vilo a Bontsche, parece que flotara en el cielo con la cabeza apoyada sobre una almohada.

Somos testigos de una danza exuberante, una celebración de la alegría del movimiento, libre y sin ataduras. Sin embargo, el conjunto logra encuadrarse en una estructura clara como el agua, al servicio de una técnica interpretativa que nos toca, nos emociona y nos entretiene en idéntica medida. En resumen, “Rooster” es un espectáculo magnífico y el público respondió con gran entusiasmo.

El bailaor Francis Núñez llegó a la isla a bailar "Sentir Flamenco". Foto gentileza BEC.

José Manuel Carreño en “Carmen”-Hacer clic aquí

El Ballet Español de Cuba (BEC), fue fundado en 1987 por Alicia Alonso, entonces directora general del Gran Teatro de La Habana, y junto con su actual director artístico, bailarín y coreógrafo Eduardo Veitía, celebran sus 25 años de meritoria trayectoria profesional. Para tan especial ocasión tuvieron invitados de lujo y realizaron reposiciones.

El primer invitado fue el joven bailaor de flamenco Francis Núñez –también director de su propia compañía Matices– quien llegó por el patrocinio generoso de la Agencia de Cooperación y Colaboración Cultural de la Embajada de España para bailar y montar un espectáculo para el BEC, “Sentir Flamenco”,  con sus coreografías, así como bailarlas y realizar talleres de maestría con los bailarines cubanos.

Núñez recibió, igualmente, una formación clásica en Barcelona con la maestra y ex estrella del Ballet Nacional de Cuba Aurora Bosch. Y a partir de estos vínculos cercanos, surgió el tan anhelado deseo de estar en Cuba, con el objetivo confesado de enriquecer su acervo con la cultura musical y coreográfica de la isla antillana. Y al mismo tiempo, reciprocar con la entrega de su experiencia a los miembros del BEC en su celebración del 2012.

Durante la puesta en escena de “Sentir Flamenco”, pudo comprobar que se sueño era realidad, mientras trabajaba con un elemento humano “cargado de personalidad, sencillez y gran entrega”.

Este espectáculo pretende mostrar, y en gran medida lo consigue, “la verdad de la danza a través de la entrega total y sincera de sus intérpretes”. Esta pieza no tiene argumento, en cambio comporta un mensaje en un hilo conductor, mediante los matices que aportan los bailables de los llamados palos del flamenco.

Núñez va las raíces para expresarse con la modernidad de todo su cuerpo y el de sus colegas de baile, siempre con respeto a sus orígenes. Hermosos y variados diseños espaciales y un equilibrado uso de la percusión y los palillos, al querer demostrar, una vez más, que “el flamenco no es sólo andaluz, sino universal”. Ya está inscripto con justeza en la lista de Patrimonio inmaterial de la humanidad por la UNESCO.

El coreógrafo Núñez ha trabajado, como bailarín solista, con grandes figuras tales como Antonio Gades, Cristina Hoyos o Aída Gómez (Premio Nacional de Danza). Su formación clásica le permitió poseer una técnica que demostró particularmente en una seguidilla, junto a la bailaora cubana Graciela Santana, la cual dedicó a su maestra Bosch, y, luego en un deslumbrante solo, la conocida pero raras veces ejecutada, Farruca, con el estilo legado por Gades.

Con el efectivo actual del BEC, donde un 80 por ciento de sus integrantes son todavía talentosos alumnos, logró un cuerpo de baile más coherente y preciso.

José Manuel Carreño interpreta a Don José en “Carmen”, según la versión de Eduardo Veitía. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El virtuoso bailarín clásico decidió, a principios de 2012, afrontar el reto de interpretar el personaje de Don José de la archiconocida “Carmen” del francés Prospero Merimée, según la versión “en flamenco” del caribeño Eduardo Veitía, con el que mantiene vínculos de amistad desde sus tiempos de condiscípulos en la Escuela Nacional de Ballet. Su entusiasmo emergió tras ver un DVD de la obra, y aceptó prepararse para bailarlo como regalo en sus bodas de plata profesionales.

Teniendo en cuenta el tiempo pasado desde su creación, esta producción adolece de una endeble dramaturgia y su coreografía necesita ser “revisada’’.

Indiscutiblemente, hubo motivaciones artísticas más fuertes que las personales. Carreño confiesa que, sin esas motivaciones nada puede hacerse o lograrse, “siempre he querido experimentar lo nuevo”, comentó, y “ahora que no pertenezco al American Ballet Theater, estoy probando nuevas líneas de trabajo”. Se anuncian también para mayo, las dos funciones que hará en el NYCity Center, donde estrenará un solo con elementos del flamenco, creado para él por Igal Perry, directora de Peridance Contemporary Dance Company.

Por supuesto que esta transición genérica requería de una más laboriosa preparación técnica y corporal, al asumir algo tan opuesto al “academicismo clásico”. Es decir “lo español, o el flamenco”, donde todo es en el piso, calzado con botas para el taconeo y zapateados. Es cierto que trabajó muy duro durante varias semanas precedentes, antes de llegar a La Habana y luego aquí, las intensas jornadas de ensayos con la afortunada ayuda del bailaor visitante, Francis Núñez, conjuntamente con el cuerpo de baile y solistas del BEC.

Para Carreño, la aspiración máxima era que el público cubano lo aceptara “como un bailarín flamenco”. Esto, infelizmente no ocurrió. El efecto de la decepción fue mayoritario entre los asistentes a las dos únicas funciones, a teatro lleno ambas, pero las ovaciones al final no se hicieron esperar, aunque mitigadas por su brevedad.

Admirable su plante escénico natural, enfatizado por su uniforme militar (aunque con la desventaja de una incómoda chaqueta mal ajustada a su talla), añadida su carismática presencia nata, así como impecables ejecuciones de múltiples pirouettes, con espectaculares cargadas en los dúos, pero las seguidillas y las bulerías no consiguieron la misma fortuna, a pesar del apoyo de sus colegas en la escena.

Él estuvo siempre consciente de la gran responsabilidad que representaba la confrontación con una audiencia que lo adora como el gran bailarín clásico cubano de la escena mundial, al mostrarse en algo muy diferente.

Entre sus próximos proyectos, además de las mencionadas dos actuaciones este mes en el City Center, está la dirección artística de los Cursos de Verano en la localidad floridana de Sarasota, donde contará con dos profesores cubanos como invitados: Loipa Araújo y Eduardo Veitía. Y sin duda, para noviembre, retornar a La Habana para bailar en el Festival Internacional de Ballet que dirige Doña Alicia Alonso cada dos años.

La compañía Danza Contemporánea de Cuba retorna a los escenarios europeos en mayo con nuevas propuestas. Foto: Gerardo Iglesias. Archivo.

La compañía Danza Contemporánea  de Cuba retorna a los escenarios europeos en fecha próxima, con el anuncio del estreno mundial de una creación del coreógrafo israelita Itzik Galili, en un programa que incluye las obras “Carmen” y “Mambo 3XXI”, del cubano George Céspedes.

Previo al estreno mundial en 10 escenarios del Reino Unido, el 3 de mayo de 2012, el conjunto que dirige Miguel Iglesias hará una serie de representaciones en el Teatro Maschinenhaus in VW-Heizkraftwerk, Alemania, con las obras “Demo-N/Crazy”, “Carmen” y “Mambo 3XXI”.

El propio Iglesias expresó, durante un encuentro con la prensa especializada, que la compañía debutó con un “desafiante y exitoso repertorio” en Italia, Francia (Bienal de danza de Lyon) y varias ciudades españolas, donde debutaron en el Teatro Real de Madrid, convirtiéndose en el primer conjunto escénico de la isla caribeña que sube a este prestigioso escenario. Según un crítico de la capital española, el repertorio presentado por DCC fue propio de la programación de las más importantes agrupaciones artísticas que actúan en ese coliseo.

Luego de este éxito, la compañía se prepara para enfrentar un compromiso de trabajo singular, pues la nueva obra del coreógrafo Itzik Galili será presentada como parte del programa cultural de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Y tendrá su premier en la ciudad de Newcastle, sede oficial del boxeo olímpico por la tradición local en este deporte. El creador aprovecha el boxeo como tema de partida, atendiendo a la tradición boxística cubana.

En dicha rueda de prensa se anunció, además, que para julio próximo DCC ofrecerá en La Habana dos funciones, que incluyen el estreno de la obra “Regalo de Malakhov”, donde el afamado bailarín ruso y director artístico del Ballet de Berlin, Vladimir Malakhov, compartirá las tablas de la Sala García Lorca con otros virtuosos bailarines cubanos. Este debut también incluirá la interpretación en vivo de la música por parte de uno de los más populares conjuntos de la isla, el dúo Buena Fe. Está previsto que en este programa se presente al público cubano la obra de Galili estrenada en Gran Bretaña.

Prrograma europeo

Alemania – Maschinenhaus in VW-Heizkraftwerk Abril 25, 26, 27 y 28 a las 20h

UK, Newcastle Theater Royal 3, 4 y 5 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Birmingham, Birmingham Hippodrome. 8 y 9 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Snape, Snape Maltings 11 y 12 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Edinburgh, Edinburgh Festival Theatre. 15 y 16 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Nottingham, Nottingham Playhouse. 18 y 19 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Woking, New Victoria Theatre. 22 y 23 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, Bradford, Alhambra Theatre. 25 y 26 Mayo 2012 a las 19:30h

UK, London, Sadler’s Wells Theatre. 29, 30, 31 Mayo 2012 y 1ro de Junio 2012 a las 19:30h

UK, Milton Keynes, Milton Keynes Theatre. 6 y 7 Junio 2012 a las 19:30h

UK, Salford, The Lowry. 9 Junio 2012 a las 19:30h