El estreno de la temporada, “A Place for Us”, un Pas de Deux a cargo de Tiler Peck y Robert Fairchild, obra de Christopher Wheeldon. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

La temporada primaveral del New York City Ballet (NYCB), en el teatro Koch, del LIncoln Center ya toca a su fin. Restan solo tres semanas, mientras la del American Ballet Theatre, en el elegante Met, en el mismo compendio dedicado a la música y a la danza, apenas comienza; la duración de esta última se extenderá hasta los comienzos de julio.

El NYCB, y la función de la serie denominada American Dance Festival, reunió música de tres compositores distintos. Semejante al trio compositor, las coreografías pertenecían también a tres maitres diferentes, por más que las obras caían dentro del estilo neo-clásico, con toques  contemporáneos muy presentes.

Para comenzar, de Benjamin Millepied –recientemente nombrado director de la Ópera Nacional de París (para desaprobación de los miembros de la compañía francesa, según cuentan)– subió a escena “Two Hearts”, sobre  partitura de Nico Muhly, quien incluye al final, la voz de Dawn Andes.

Como el título indica, la coreografía se centra en una pareja de bailarines, en este caso la brillante Tiler Peck, junto a Tyler Angle, tan excelente compañero como buen bailarín, quienes aparecen en varios Pas de Deux con algo de romance, pero de gran modernidad en los movimientos. Hay un elenco de seis parejas que comparten la coreografía, que da comienzo con seis bailarines que abren la pieza, acompañando poteriormente a Angle al terminar su solo. El llamativo vestuario de Marc Happel, es en blanco, con una ancha raya negra en la camisilla para los hombres, y sayas cortas con los mismos diseños para las mujeres, que resulta tan atractivo como moderno.

Esta nueva pieza de Millepied ha aparecido en el repertorio de la compañía desde su estreno el pasado año varias veces, y allí debe mantenerse. Todo es cuestión del gusto y de la voluntad del director artístico, Peter Martins, que lleva 30 años al frente de la compañía, desde el deceso de Balanchine, quien la fundara en 1948.

De Christopher Wheeldon también subió a escena “Soirée Musicale”, de 1998, estrenado como parte de un taller de la School of American Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

Del aplaudido y codiciado coreógrafo Christopher Wheeldon, aparecieron dos trabajos, muy distintos en estilo. El primero, “Soirée Musicale”, data de 1998, estrenado como parte de un taller de la Escuela de Danza Americana ese año. La música no puede ser más bailable, amén de agradable. Original de Samuel Barber, el coreógrafo divide su inspiración en varias secuencias que incluyen a tres parejas solistas, Sara Adams, Lauren Lovette y Brittany Pollack, acompañadas de Harrison Ball, Chase Finlay y Taylor Stanley, así como un nutrido coro masculino.

No faltan los segmentos graciosos  como “Scottische”, donde dos  traviesas ballerinas, Kristen Segin e Indiana Woodward, coquetean graciosamente con Ralph Ippolito y Peter Walker, que motiva las sonrisas de los asistentes a la función. El Pas de Deux encomendado a Lauren Lovette y Chase Finlay, es la pieza que puede catalogarse como la perla de la  agradable obra de Wheeldon. La pareja es tan encantadora como brillante. Todo el reparto denota estar en camino de magníficos futuros en la compañía; futuros que ya se han convertido en realidad para Chase Finlay, quien desde febrero, posee el ansiado título de Bailarín Principal. Bravo por el hermoso joven Apolo.

El estreno de la temporada, “A Place for Us”, un Pas de Deux a cargo de Tiler Peck y Robert Fairchild, es obra también de Wheeldon. En este caso particular, usa la música de Leonard Bernstein, que requiere como acompañamiento un piano y su intérprete, Steven Hartman,  a un lado de la escena, y una clarinetista, Nancy McDill, quien hizo sonar muy bien su clarinete en la magnífica acústica del teatro. Esta obra usa solo dos intérpretes, y en realidad, no necesita más. La intensidad interpretativa de la pareja llena la escena totalmente de emoción.

Ya han pasado muchos años de la desaparición del gran Balanchine, que eludía  emociones en los bailarines que aparecían en sus innumerables obras. Ya es de notar que esta nueva generación, 30 años después de su muerte, puede expresar sus sentimientos sin pasar la línea que separa las emociones desmesuradas del melodrama. Bravo a la juvenil pareja, y por supuesto, al coreógrafo.

Para terminar, subió a la escena, original de Martins, su “Hallelujah Junction”, en el repertorio del NYCB desde 2002, sobre la repetitiva música de John Adams, compositor favorito de Martins. Originalmente estrenado por el Royal Ballet de Dinamarca en 2001, “Hallelujah” sirve de “showcase” a  tres de los solistas principales del NYCB, Sterling Hyltin, Gonzalo García (natural de Zaragoza, España) , y el dinámico Daniel Ulbricht, quien puede girar como un trompo y elevarse con facilidad en poderosos brincos de un lado a otro de la amplia escena del teatro. Estas últimas muestras de virtuosismo dinámico,  parece que comienzan a ser apreciada por los asiduos asistentes a las funciones del NYCB, no acostumbrados a tales excesos.

El NYCB posee en el presente un conjunto muy joven, no obstante, brillante y excelentemente entrenado. La compañía tiene a su favor, además, el empuje que le proporciona la juventud, además de  que sus expresiones son más vívidas que antes, y ahora no parece que se les exigiera la restricción total de ellas. Bien por la novedad que hace tanto al conjunto como a los solistas,  más humanos. Que continúen así…

Alicia Alonso durante la celebración de sus 90 en el Metropolitan Opera House de Nueva York, con José Manuel Carreño (izq.) y Kevin McKenzie (der.), del American Ballet Theater. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo.

Ya se ha escrito mucho sobre el ballet en Cuba, pero el nuevo libro que lleva la firma de Isis Wirth, escritora cubana de gran capacidad, revela infinidad de sucesos, desconocidos hasta el presente por la mayoría de los que nos interesamos en el divino arte de la danza académica.

Su título, “La Ballerine & El Comandante: La historia secreta del Ballet en Cuba”, ha sido editado en Francia por Francois Bourin. Los 10 capítulos que lo componen, son proveedores de vital información sobre lo que ha sucedido en Cuba en materia de danza clásica, y política, también. Es imposible desligar lo uno de lo otro. Es por ello que se hace imprescindible que se traduzca al español y al inglés. No dudo sería un “best seller”. Nada mejor que enterar a los que se comunican en la lengua de Shakespeare, sobre lo que dio paso al ballet clásico en Cuba. Sin duda alguna, un tema que trasciende fronteras.

Para dar comienzo a la historia de la compañía nacional cubana, en el primer capítulo, titulado “Nace una estrella” (Nassaince de´une ètoile), la autora echa mano a lo firmado por Charles Payne en el libro “American Ballet Theatre”. Grueso tomo publicado por Alfred Knopf en Nueva York, en 1989. Las querellas que Payne relata, muestran a Alicia Alonso (la Cobra Cubana, según el apodo que le daban los miembros de la compañía en aquél entonces) en querellas contra una de las bailarinas principales.

La prima ballerina assoluta, sobrenombre usado frecuentemente para denominar a la diva, fue la tercera Alonso (adquirió el apellido por su primer matrimonio con Fernando en 1938) del triunvirato que propició la fundación de una compañía cubana de ballet clásico en la isla, la cual fue bautizada con el nombre de Ballet Alicia Alonso (BAA). Fernando Alonso fue el director artístico; su hermano Alberto Alonso, el coreógrafo en residencia, y Alicia, la estrella. Ella continuaría libre para cumplir sus contratos en el extranjero. La premier tuvo lugar en el teatro Auditórium, el 28 de octubre de 1948.

El BAA, precursor del Ballet Nacional de Cuba (BNC), nació gracias a los tres Alonso, sin olvidar a los 11 bailarines  procedentes del Ballet Theatre (BT) que se encontraban en Cuba, y estuvieron prontos a unirse al plan. Contando con la ayuda de la benemérita institución Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, los tres Alonso iniciaron el trabajo, y como apunta el conocido dicho, lo demás es historia.

El libro de Wirth ha logrado una buena exposición en la red cibernética, donde a menudo aparecen capítulos del mismo, ya traducidos al español. No dudo que la libre traducción, ha sido hecha por alguien que domina el idioma; así ha llegado a mis manos y motivado la reseña que ahora me ocupa.

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La era revolucionaria
El poder y la ambición
Un ballet para el pueblo

Jorge Esquivel forma parte del grupo docente de la San Francisco Ballet School y es bailarín de carácter de la compañía. Foto: SFB. Archivo.

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Continuando con lo expuesto en el capítulo II, titulado “Rouge Ballet” (Ballet Rojo), aparece en él una carta firmada por Carlos Rafael Rodríguez, conocido miembro del partido comunista de Cuba, fechada en 1981, en la que comenta el viaje que la Alonso hizo a la entonces URSS en 1957/58, el cual, según opinión de Rodríguez, fue motivado por la simpatía que Alicia sentía ya por las doctrinas de Lenin.

Los conocimientos que la familia Alonso poseía de Unga desde tan lejana época, incluían su fortaleza de carácter. Sus ideas políticas, si alguna vez tuvo alguna, no las había exteriorizado aún. Lo principal en ella era lo que siempre ha sido y continúa siendo: su extremado “alicismo”. No se puede dudar que la bailarina y el Comandante sean almas gemelas. Terciando sobre ese viaje a la Unión Soviética, la Secretaría de Estado de los Estados Unidos siempre ha propiciado programas culturales como viajes, y tuvo mucho que hacer con la visita del matrimonio Alonso a la sede del comunismo, donde Alicia bailó en varias ciudades, con Fernando, alentándola en cada paso.

En el capítulo III, “Los beneficios de la revolución”, se detalla la propaganda a la que se avenía la compañía. Allí aparece un párrafo que cuenta minuciosamente los ballets de propaganda que se crearon en esa época (1965 a 1977, aproximadamente).

En “¿Territorio protegido?”, que ocupa el espacio del capítulo IV, Wirth incluye  un párrafo que la autora llama  “Alicia y la UMAP”, referente a las batallas que daba Alicia por los bailarines de la compañía, para evitar que fueran enviados a los llamados “campos de concentración”, establecidos por el régimen para “sanar” a la población cubana homosexual. De esto haber sucedido, la carrera de muchos de ellos habría tenido un triste final, perjudicando enormemente al BNC.

El capítulo V, “ Les annes fastes” o Los años de esplendor, señala que, a pesar de la importancia de la compañía, las incidencias de peticiones de asilo político iban en aumento, especialmente cada vez que salían en giras artísticas por el extranjero. Esto continúa y continuará sucediendo, mientras la assoluta se niegue a traspasar la batuta (la dirección de la compañía).

Comentando más ampliamente sobre las fugas, la primera sucedió en París, en 1966, donde 10 bailarines solicitaron asilo político. Entre estos estaba Lorenzo Monreal (ya fallecido), quien por un tiempo estuvo casado con la hija única de los Alonso, Laura. La pareja tuvo un hijo: Iván Monreal Alonso.

Los “Diez”, según el sobrenombre que identifica al grupo de bailarines exiliados, lograron conseguir el asilo en la capital francesa. La lista de disidentes continuó con Miguel Campanería, del que muy poco se ha hablado, quien pidió el asilo en Montreal, Canadá, en 1971, durante la primera gran gira artística que la compañía hizo a ese país.

La partida de Jorge Esquivel es comentada ampliamente en esta historia. Abandonar la compañía para luego asilarse, causó grandes penurias a la propia bailarina, ya que Esquivel había sido un dedicado compañero por largo tiempo. Precisamente en los años en que la assoluta ya comenzaba a mostrar decadencia física. Sobre esto, un bailarín amigo me explicó que no es fácil elevar un cuerpo declinante, que no presta ayuda al compañero con algún empuje de su parte.

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El poder y la ambición

Alicia Alonso, su esposo, Pedro Simón, y Fidel Castro, durante una de las ediciones del Festival Internacional de Ballet de La Habana. Foto: BNC. Archivo.

Viene de: La era revolucionria

Si bien fue anterior a esa época (en 1968), hice un viaje a Toronto, donde me encontré con Alberto Alonso, quien me pidió que, como ciudadana cubano-americana, lo presentara ante el Cónsul General de los Estados Unidos en esa ciudad. No cabía dudas: el coreógrafo también deseaba solicitar asilo político. Lamentablemente, su petición fue denegada. Sin embargo, Alberto lo consiguió en 1993, cuando su hijo Albertico Alonso Calero, llegó a los cayos estadounidense en una frágil barca, en busca de la “ansiada libertad”, como repitió en entrevistas que siguieron.

En el capítulo VI, titulado “Les orages de la tempête”(Los estragos de la tempestad), o “La Decadencia”, Wirth detalla las penurias que la población comenzaba a experimentar (1992) que copio textualmente: “Los bailarines podían irse, uno tras otro, pero la vieja diva, cada día más limitada, continúa impertérrita, ejecutando lo que ella considera es ´baile´…Francamente ridículo….”

Me atrevo aquí a opinar que llamar a Alicia, “coreógrafa”, aunque sea cruel decirlo por sus razones físicas tan limitadas, es una burla. En el difícil arte de la danza clásica, hacer coreografías no es solamente mandar al bailarín a ejecutar ciertos pasos, frente a un espejo que no perdona. Sobre ese arte, sabemos que un coreógrafo ordena los pasos por sus nombres, pero infinidad de veces tiene que ejecutarlos él mismo, para que el estilo deseado sea entendido a plenitud.

“El movimiento carista” que fue poco conocido, expone el descontento que muchas bailarinas han experimentado antes y ahora,  por la mano de hierro de Alicia, con referencia especial a sus roles favoritos (“Carmen” viene a la mente). Algunas, como es el caso específico de Rosario (Charín) Suárez, esperaron demasiado para marcharse al extranjero.

Para concluir, el capítulo titulado “La derrière valse?” (¿El último vals?) Wirth traslada a los lectores a los inicios de la danza clásica en Europa, particularmente en Francia, durante el reinado de Luis XIV. Estimo, no obstante, que muy poco podían asemejarse los miembros de la exquisita corte, a los toscos guerrilleros que, con rosarios religiosos alrededor del cuello, bajaron de la Sierra Maestra para propiciar que los Castro se adueñaran de la que fuera más bella isla caribeña, y la convirtieran en su posesión privada.

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Un ballet para el pueblo

Alicia Alonso y Ernestina del Hoyo, madre de Alicia, en Cuba. Foto: Archivo personal de Célida P. Villalón.

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Wirth parece desear que se establezca una comparación entre los deseos del monarca, con los de Fidel Castro. Cuando el guerrillero le preguntó a Fernando Alonso, en 1959, en su calidad de director artístico de la compañía, qué cantidad de dinero necesitaba para poner en marcha al Ballet de Cuba, Fernando citó una cifra elevada que Castro aceptó. Ahora era solo cuestión de preparar programas y rehabilitar sus filas (la Academia de Ballet, fundada por él – No por Alicia, cumpliría con ello). Exportar su “fidelismo” entre bastidores, no parecía ser dádiva demasiado costosa.

¿Sería acaso la creación de los “comités de seguridad” (Comités de barrio, mayo 6 de 1960, en el estudio de danza de la compañía, en el barrio de El Vedado), el pago del agradecido maestro a la revolución? Todo cabe en lo posible. En el acta levantada ese día, aparece el nombre de Fernando como encargado de las finanzas, y el de Alicia encabeza la lista de vocales.

Entre los relevantes sucesos que vinieron después (y para ellos me remito a la historia y a mis recuerdos), hay que mencionar el divorcio de Fernando y Alicia, en 1964, y el “exilio” de Fernando en Camagüey, donde por muchos años dirigiría el conjunto local. En la actualidad, con 98 años, mantiene un humilde perfil en las actividades de danza de la capital habanera. Sin embargo, su presencia es requerida a menudo fuera de Cuba. Su prestigio como maitre, es reconocido y apreciado mundialmente.

El coreógrafo Alberto Alonso, terminó sus años como maestro, en el Santa Fé Community College de Gainesville, U.S.A. Allí falleció el último día del año 2007. Su legado, no obstante, se reduce a “Carmen”. Las otras obras clásicas que hizo, creadas mayormente para la Escuela de Baile de Pro-Arte Musical o para el BNC, han sido archivadas y no han vuelto a ser presentadas en ningún escenario de Cuba. Resulta una verdadera pena que su magnífico “Concerto” de Bach (Escuela de Baile de Pro-Arte, 1943), creado para su primera esposa, la canadiense Patricia Denise, que entonces ostentaba el nombre de Alexandra Denisova, como miembro del Original Ballet Russe de De Basil, se haya perdido.

La escuela nacional, que continúa produciendo magníficos bailarines, la dirige desde hace varios años, Ramona de Sáa, a quien pocos fuera de Cuba conocen. No obstante, el producto más determinante de la excelencia de De Sáa como maestra, es el bailarín Carlos Acosta, quien ha reconocido públicamente la importancia que su profesora ha tenido en sus éxitos profesionales.

“Un tragique empire” (Un imperio trágico”, que pone fin a la interesante lectura, no necesita traducción. Su título lo dice todo. Solo pido al lector que repase lo leído y saque sus propias conclusiones.  “La ballerine & El Comandante” ofrece una magnífica lectura, especialmente para los que saben poco del desarrollo de ese arte en la perla de las Antillas. Un trabajo de investigación digno de felicitaciones para la autora, Isis Wirth.

Jared Nelson, como Jake, y Sona Kharatian, en el papel de Lady Brett Ashley, del TWB, protagonizan “Hemingway: The Sun Also Rises”. Foto gentileza TWB.

Un piano “jazzea” sobre el teclado acordes impregnados de nostalgias. Un periodista aporrea su máquina de escribir tratando de componer historias que se quiebran en el papel. Mientras, la vida se impone, incontenible. “Hemingway: The Sun Also Rises”, de Septime Webre, devela esa intensidad caótica, arrasadora, de esos años de post y pre guerras que Ernest Hemingway describió en su novela.

El coreógrafo y director de The Washington Ballet convocó a Hemingway al escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, desde el 9 hasta el 12 de mayo para el estreno mundial de su versión para ballet de la novela “The Sun Also Rises”. Uno de los libros que llevó a la fama al escritor, pionero del nuevo periodismo norteamericano y que tuvo su versión cinematográfica en 1957.

En esta puesta, el texto se afianza a través de un lenguaje diferente, pero tan intenso como la novela en sí misma. Jared Nelson, como Jake, el protagonista, un periodista que peleó en la Primera Guerra Mundial, compone un personaje impecable. Sabio desde lo corporal, el bailarín deja salir al actor y logra momentos conmovedores en sus solos.

A su vez, Webre, supo descubrir, con sensibilidad y maestría, la angustia y las tribulaciones de ese hombre que debe lidiar con las secuelas de la guerra: sus tormentos, sus heridas y su impotencia sexual.

El director de TWB, Septime Webre, describió el París de la década del '20 en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC. Foto gentileza TWB.

Con inteligencia, sutileza y habilidad Webre, cuenta la historia magníficamente. Incorpora elementos de multimedia para mostrar un universo complejo, plural y desbordante. También incluye el texto de Hemingway en pequeños estadios que permiten aclarar aspectos complejos de la trama. Su narración corporal se amalgama a lo escrito que, a veces, se proyecta en una pantalla móvil. Aunque en ocasiones, compite con la danza y se hace difícil seguir a ambos sin perder detalles.

Con libreto de Webre y de la escritora Karen Zacarías, la obra propone una ajustada, precisa y sobria, la primera parte de este ballet en dos actos y dos horas de duración. La puesta muestra imágenes del París de los años ’20, con paneles que suben y bajan para recibir proyecciones. También incorpora personajes y hace un despliegue coreográfico con escenas grupales potentes, que no dan respiro a los bailarines. Si bien hay un toque un tanto excesivo de saltos y acrobacias, el resultado no deja de ser exuberante y arrollador. Como la vida de aquellos tiempos.

Webre juega con distintas disciplinas artísticas, acordes con la época, y lleva a escena en el primer acto a la cantante E. Faye Butler, magnífica en su interpretación de “You Gotta Give Me Some”, y al cantante Ari Shapiro, con una simpática versión de “Valentine”.

En la segunda parte, la que tal vez necesite un reajuste en la duración de cada escena, el bailaor Edwin Aparicio y su grupo de flamenco pusieron un toque más español dentro de este periplo que el escritor, Jake, y sus amigos hacen rumbo a España.

Webre no escatimó esfuerzos ni elementos para esta puesta colorida y arrolladora. Incorporó también los típicos muñecos gigantes que acompañan las fiestas de los San Fermines en Pamplona, España, y danzas grupales con gran despliegue escénico.

El vestuario de Helen Q. Huang y la escenografía de Hugh Landwehr, que recurre a paneles con diarios de la época que suben i bajan según las escenas, contribuyeron a esta puesta que, sin duda, es una de las más imponentes de la compañía. Merecería tener una temporada más larga, o al menos repetirse en la próxima. El esfuerzo de montaje es extremadamente arduo como para que quede dormida durante largo tiempo.

Escenas de boxeo en “Hemingway: The Sun Also Rises”, interpretado por TWB. Foto gentileza TWB.

El cuerpo de baile, así como los protagonistas de esta historia lograron momentos de gran excelencia y compromiso. Lady Brett Ashley, Sona Kharatian, el amor imposible de Jake, acierta a componer un personaje promiscuo, seductor y atractivo. Brooklyn Mack, el torero Pedro Romero, hizo una gran demostración de agilidad y fuerza con sus saltos precisos y su musicalidad. Y como siempre, para Luis Torres, no hay papeles chicos. El bailarín, con el entusiasmo que lo caracteriza, marcó con calidad, la presencia del conde Mippipopolou, un aristócrata griego que formaba parte de la troupe parisina.

Pero sin duda, este Hemingway de Webre no hubiera sido lo mismo sin el saxofonista Billy Novick y sus músicos que, desde el foso del escenario sonaban como una orquesta multitudinaria y se lanzaban a esta aventura en la que se funde una historia de amor frustrado, la decadencia de una sociedad signada por las guerras y esa búsqueda del real sentido de la vida.

La compañìa Danza Teatro Retazos inaugura el 21 de mayo las Segundas Jornadas “Tránsitos-Habana”. Foto: Archivo. Gentileza DTR.

Las compañías Danza Teatro Retazos, de Cuba, y Memory Wax, de Suecia, han creado lazos artísticos por más de seis años que condujeron en 2012 a la realización de las 1ras Jornadas de Intercambio Cultural con Artistas Escandinavos “Tránsitos-Habana”.

Del 18 al 25 de mayo se desarrollará la segunda edición del evento, que forma parte del proyecto “Retazos Evoluciona, por la creación artística, el intercambio y la transformación sociocultural”, apoyado por la Unión Europea. El encuentro cuenta además con el apoyo de la Oficina del Historiador de la Ciudad, el Consejo Nacional de las Artes Escénicas, Hivos, Oikos, Hanns Seidel, la Embajada de Suecia, Malmö Stad, Skane Region, y el Swedish Arts Council.

El 21 de mayo de 2013 a las 7:00 pm será la inauguración, las 2das Jornadas “Tránsitos-Habana”, así como del proyecto “Retazos Evoluciona”. La compañía cubana promueve la formación y el acercamiento de los distintos públicos a la danza y al arte en general, en un continuo trabajo comunitario de sensibilización. Estas 2das Jornadas de Intercambio Cultural entre artistas y técnicos escandinavos y cubanos, propiciarán un significativo impulso a la danza contemporánea y a otras manifestaciones artísticas afines a partir del despliegue de coreografías y la realización de exposiciones, conciertos y talleres, dirigidos a la formación y el enriquecimiento del trabajo artístico y técnico de profesionales de la danza, así como al entrenamiento en el uso de recursos tecnológicos.

Los talleres se realizarán en los días previos al evento, del 13 al 17 de mayo. Johan Söderberg, quien cuenta con 30 años de experiencia profesional, impartirá un taller de iluminación teatral. La bailarina y coreógrafa Alma Söderberg ofrecerá un taller de danza y además interpretará el solo Cosas, donde un torrente de canciones, lenguaje, movimientos y gestos se convierten en una sola expresión.

Entre las compañías participantes, Memory Wax, una de las organizadoras de las Jornadas, presenta en esta ocasión para el público adulto Still Shivering (Aún temblando), una pieza que propone y cuestiona interrogantes sobre el individuo, inspirada en la obra fotográfica de Cindy Sherman; y para el público infantil, la obra ABC, inspirada en las formas y sonidos de las letras del abecedario.

También para los pequeños, la compañía Teater Sagohuset presenta Max. La obra sobre la pelota, el auto y la lámpara, basada en los libros de la autora sueca Barbro Lindgren, e interpretada con precisión y humor por una bailarina, un músico y una actriz.

Skånes Dansteater, la mayor institución independiente de danza en Suecia, presentará Acércate a cargo de la intérprete Lidia Vos, un solo que forma parte de una serie de obras basadas en la música del cantautor sueco Mikael Wiehe.

Combinando la danza con distintas manifestaciones artísticas, la agrupación de música LUR y el artista visual Danilo Stankovic participarán con una propuesta novedosa de interrelación entre el público y los integrantes de las compañías Retazos y Memory Wax.

Durante la segunda quincena de mayo, la compañía Danza Teatro Retazos servirá de plataforma en el Centro Histórico para tener la oportunidad de conocer a artistas de Suecia y Cuba que hacen coincidir sus estilos y habilidades en un mismo escenario.

Programa general

Talleres. Del 13 al 17 de mayo de 2013

Taller de Danza con Alma Söderberg, coreógrafa, bailarina y actriz sueca. Dirigido a bailarines de Danza Abierta y de Retazos. De 10:00 am a 1:00 pm, sede de Danza Teatro Retazos.

Taller de Diseño de iluminación en el teatro con Johan Söderberg, diseñador de iluminación. Dirigido a técnicos de teatro. De 2:00 pm a 5:00 pm, sede de Danza Teatro Retazos.

Actividades culturales. Del 18 al 25 de mayo de 2013

Presentaciones infantiles

ABC. Compañía Memory Wax. Dirigida a niños entre 5 y 9 años de edad.

Sábado 18, 11:00 am – 11:45 am y 2:00 pm – 2:45 pm.

Max. La obra sobre la pelota, el auto y la lámpara. Compañía Teater Sagohuset. Dirigida a niños menores de 4 años de edad.

Domingo 19, 11:00 am – 11:45 am y 2:00 pm – 2:45 pm.

Inauguración de las Jornadas y del Proyecto Retazos Evoluciona. Martes 21, 7:00 pm, sede de Danza Teatro Retazos.

Presentaciones. Del miércoles 22 al sábado 25, 7:00 pm, sede de Danza Teatro Retazos. Presentación de compañías de danza de Suecia y Cuba: Johanna Jonasson, Alma Söderberg, Lidia Wos, y Danza Teatro Retazos.

Concierto de clausura. Sábado 25 de mayo, 9:00 pm, Las Carolinas, sede de Danza Teatro Retazos.

La agrupación LUR, en colaboración con Danza Teatro Retazos, Memory Wax y el artista plástico Danilo Stankovic, propone una experiencia visual y musical en vivo, donde combina improvisación con elementos de distintas artes.

Exposición Imaginería y simbolismos. Danilo Stankovic, artista visual. Algunas de sus obras se mostrarán en el lobby de la sede de Danza Teatro Retazos del 21 al 25 de mayo de 2013 y también realizará instalaciones durante las Jornadas.

Sede Danza Teatro Retazos

Calle Amargura No. 61, e/ Mercaderes y San Ignacio, Habana Vieja, La Habana, Cuba

E-mail: lascarolinas@cubarte.cult.cu / lascarolinas@retazos.ohc.cu

Teléf.: (+537) 860 4341 / 860 4301. Web: www.danzateatroretazos.cu

La PASO convocó, entre otras, a la pareja de Carolina Jaurena y Andrés Bravo para el concierto de cierre del DCTango Festival. Foto: Shalev "Stan" Weinstein www.dreamsandmemories.net. Gentileza PASO.

Durante un mes la Pan American Symphony Orchestra, dirigida por el argentino Sergio Buslje dejó su huella en Washington DC con la séptima edición del DCTango Festival. La Embajada Argentina y el Lisner Auditorium de la George Washington University fueron los lugares clave para esta cita con el tango que ya es un hito en la ciudad.

Desde el 4 de abril hasta el 4 de mayo, hubo clases de tango gratis todos los jueves, con una convocatoria que superaba las cien personas cada vez. Semana por medio, milongas, cine, conferencias y conciertos formaron parte de este encuentro con la danza y la música rioplatenses más conocidas internacionalmente. En los Estados Unidos, desde el memorable estreno de Tango Argentino en Broadway en 1983, el tango se ha convertido en una suerte de obsesión para el que osa probar los primeros pasos del baile.

Annatina Luck y Anton Gazenbeek en el Lisner Auditorium, en DCTango Festival. Foto: Shalev "Stan" Weinstein. Gentileza PASO.

El 10 de mayo, se inauguró la muestra “Tango Visions” en la Embajada Argentina, que reunió a pintores argentinos del área de DC con obras referidas al tango. El grupo PA7  (Pintores Argentinos 7) está integrado por Sara Burlé, Roxy D’Elia, Felisa Federman, Marcelo Novo, Miguel Pérez-Lem, Fabián H. Ríos Rubino, Claudia Samper y Susan Weidemann. La muestra sigue abierta al público hasta el 31 de mayo.

Este año, Héctor Orezzoli y Claudio Segovia, los creadores del fenómeno Tango Argentino en el mundo, tuvieron su espacio a través de la charla “The Inside Story of Tango Argentino and Its Influence on the Rebirth of Tango”, realizada por el bailarín e investigador Anton Gazenbeek, en la Embajada Argentina, el miércoles 24 de abril. Una presentación documentada con datos, entrevistas y videos sobre los primeros protagonistas de esta historia que aún continúa.

Un recital de Morena Piano Trio, a puro Piazzolla, también se incorporó a este festival que cada año trae propuestas diferentes. Pero lo que ya es un rito, es el concierto de despedida, siempre en el Lisner Auditorium, y siempre con un formato, de alguna manera, tradicional: orquesta de tango y tres parejas de bailarines que al final del show salen a bailar juntos.

Carolina Jaurena y Andrés Bravo; Annatina Luck y Anton Gazenbeek, y Carolina Zokalski y Diego Di Falco fueron de la partida de “Tango”, que contó también con dos músicos invitados, el uruguayo Raúl Jaurena (bandoneón) y el argentino Octavio Brunetti (piano).

Este año, Buslje se enfocó en tangos más tradicionales, como “Derecho Viejo”, de Eduardo Arolas, “A Evaristo Carriego”, de Eduardo Rovira, o “El Choclo”, de Ángel Villoldo, entre otros. La orquesta, cuyo sello permanente es la calidad y el alto nivel de sus músicos, sonó impecable.

Con “Negracha”, de Osvaldo Pugliese, salieron a escena Luck y Gazenbeeck. La pareja, que lleva varios años bailando juntos, ya tiene sus códigos propios. Después llegó “Chiqué”, de Ricardo Brignolo, con Zokalski y Di Falco. Ambos se deslizan en el escenario con un tempo particular, buenos desplazamientos, y una particular y sobria manera de bailar el tango, sin pirotecnias, pero sin escatimar lo mejor de la danza.

Buslje también incorporó un compositor contemporáneo, Emilio Kauderer, autor de la música de la película “El secretos de sus ojos”. Su tango “El desquite”, fue magníficamente interpretado por la orquesta y el violín solista, Diana LeGrand.

Jaurena y Bravo, bailaron “Nocturna”, de Julián Plaza, con gracia, destreza y buenos matices, en una versión de tango-escenario donde la bailarina se luce con su gracia y musicalidad. Ambos también bailaron “Gallo ciego”, de Agustín Bardi, con sensualidad y precisión, y “Felicia”, de Enrique Saborido.

Carolina Zokalski y Diego Di Falco bailaron "Desde el alma" en el DCTango Festival organizado por la PASO. Foto: Shalev "Stan" Weinstein. Gentileza PASO.

El toque romántico y delicado lo pusieron Zokalski y Di Falco con una elegante y acertada versión de “Desde el alma”. La sutileza y el acertado estilo dominan en esta pareja que también supo adentrarse en los compases de “Recuerdo”, de Pugliese.

Un tango más eléctrico y dinámico trajeron Luck y Gazenbeeck con “Quejas de bandoneón”, de Aníbal Troilo. Saltos, filigranas, firuletes y un gran despliegue de movimientos amalgamados con una sucesión de pasos casi imposibles de seguir, ambos mostraron velocidad para encarar este tango. Un estilo semejante llegó también con “Tanguera”, de Mariano Mores. Tal vez una excesiva pirotecnia, saltos, giros y una extraña posición de las manos, más apropiada para la danza clásica que para el tango marcó esta pieza.

Para el final, Buslje dejó “La Cumparsita”, de Matos Rodríguez, donde las tres parejas salieron a escena para los compases de un final que tuvo de regalo “Libertango”, de Ástor Piazzolla.

William Moore y Katja Wünsche son los protagonistas principales de "Leoncio y Lena", obra que presenta el Ballet Zürich. Foto: Judith Schlosser. Gentileza BZ.

La temporada 2012-13 es la primera del coreógrafo alemán Christian Spuck al frente del Ballett Zürich, sucediendo a Heinz Spoerli, quien ha pasado al retiro. Spuck, otrora coreógrafo residente del Stuttgarter Ballett, ostenta una notable carrera.

En Zürich, inició su dirección de la compañía con el estreno mundial de su versión de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Serguei Prokofiev. El 27 de abril, tuvo lugar en la Opernhaus de Zürich la première de su “Leoncio y Lena”, que se extenderá en la temporada hasta el 26 de junio.

Sin embargo, este ballet sobre la comedia homónima del dramaturgo, revolucionario y científico alemán Georg Büchner (1813-1837), no es un estreno mundial. Éste fue en 2008 para el Aalto Ballett Theater de Essen, pieza que luego se incorporó a los repertorios de Les Grands Ballets Canadiens (Montreal) y del Stuttgarter Ballett.

Junto con “La muerte de Danton” (su obra cumbre) y “Woyzeck”, la trilogía de la producción teatral de Büchner se completa con “Leoncio y Lena”, una comedia con intenciones políticas, escrita en 1836. (Su primera representación fue 60 años más tarde, en Munich.)

La historia

“Leoncio y Lena”, una comedia con intenciones políticas, escrita en 1836. Foto: Judith Schlosser. Gentileza BZ.

Se trata de una sátira a la fragmentación entonces, de Alemania en pequeños reinos. El monarca Peter, del reino de Popo (“trasero”, en lenguaje popular) arregla el matrimonio del príncipe heredero Leoncio con la princesa Lena, del reino de Pipi (“pipí”).

Espantados ambos con una unión forzada, cada uno por su parte escapa a Italia, la obsesión romántica de los alemanes. A Leoncio lo acompaña su cómplice Valerio, un “bon vivant”. A Lena, su institutriz. Se encuentran casualmente; no es difícil adivinar que Valerio y la institutriz entablan una relación, tórrida. Leoncio, por su parte, se enamora de Lena. Al principio, no es correspondido, pero luego todo sucederá para ambos en “el mejor de los mundos posibles”.

Tanto, que ya dispuestos a permanecer juntos hasta el fin de sus días, arriban al reino de Popo disfrazados de autómatas (otra obsesión del romanticismo alemán). Como el rey Peter le había prometido al pueblo la alegría de la celebración de una boda, los preparativos se han hecho y entonces casan a los “autómatas”: tras la unión, se quitan las máscaras y conocen su identidad: Leoncio y Lena habían huido el uno del otro, pero el destino estaba trazado.

Büchner aligera tal designio y Valerio es nombrado ministro de estado por el nuevo rey de Popo, Leoncio. El flamante ministro preconiza que el estado se disuelva en el caos, a ver si se alivia la miseria de sus súbditos. ¿No se amarraba el viejo monarca Peter un pañuelo con un nudo en un dedo para acordarse que debía pensar en los habitantes de su reino?

El ballet

Los tres actos de la obra original de Büchner han sido trasladados a dos, para unas dos horas de duración con intermedio. Christian Spuck ha dicho, en lo que puede considerarse como “notas de intención” en el programa de mano, que no es un “ballet convencional, sino algo más teatral, que utiliza un tipo diferente de lenguaje corporal”. Ciertamente, la teatralidad –o o si se quiere, la comicidad– se ha extremado, lo que sin dudas (Spuck es de esos coreógrafos a quienes les gustan “contar historias”, y sabe cómo hacerlo) constituye esa clave del éxito.

Pero, aun si bien la actuación predomine, y los retos a enfrentar por los bailarines hayan sido mucho más histriónicos que coreográficos, se trata de una pieza de danza, porque el vehículo esencial en el que se “expresa” la narración es el del movimiento y sus convenciones. El resto, sí, es puro entramado teatral, pero la base sobre la que erige la construcción del producto escénico es la danza.

En este sentido, es loable la preocupación de que el texto en sí de Büchner se “tradujese” con precisión al movimiento y al gesto. Cada postura, cada paso, están habitados por una significación en consecuencia, siempre siguiendo fielmente al dramaturgo, incluso en la ambigüedad del discurso de los personajes.

La puesta

Los diseños de escenografía y vestuario de Emma Ryott acusan también esa virtud de legibilidad. En los trajes, nada de anacronismos sino inmersión puntual en la época en cuestión. La escenografía, algo más abstracta, recurre en lo fundamental a un “plató” que gira para facilitar los cambios de escenas.

El Ballet Zürich presenta "Leoncio y Lena", de Christian Spuck. Foto: Judith Schlosser. Gentileza BZ.

La música (interpretada con brillo por la Philarmonia Zürich, bajo la conducción de James Tuggle) es un “pot-pourri” utilitario que incluye a: Johann Strauss I y II, Amilcare Ponchielli, a los más contemporáneos Alfred Schnittke y Bernd-Alois Zimmermann, asi como al compositor actual Martin Donner, pero también al Pizzicato de “Sylvia” de Léo Delibes, y una canción de Hank Cochran.

Este espíritu de citar se extendió asimismo a los diseños y a la coreografía. En definitiva, se conservó lo propio de Büchner, en “Leoncio y Lena”, que contiene referencias a la Commedia dell’Arte, Brentano, Goethe, Shakespeare, Tieck. (Como “La muerte de Danton” cita parrafadas enteras de otras fuentes: no deja de sorprender la intertextualidad avant-la-lettre de Büchner.)

Spuck citó a “La fierecilla domada” de John Cranko, a “Manon” de Kenneth MacMillan, y a “La mesa verde” de Kurt Joos. Pero la cita inmanente, ya que no explícita, es a un determinado “espíritu vienés”, quizás impuesto por la recurrencia a los Strauss.

Además del elenco tanto del Ballett Zürich como del Junior Ballett Zürich (las escenas de grupo no dejan de ser exigentes), el desempeño de los solistas fue impecable. Conquistaron con su humor y su malicia.

Es para señalar Filipe Portugal como el rey Peter, pero no menos, William Moore como Leoncio, la rubia Katja Wünsche (en su primera temporada en Zürich) como Lena, así como el Valerio de Arman Grigoryan.

Y el próximo 12 de octubre (el 17 es el 200. aniversario del nacimiento de Georg Büchner) tendrá lugar la première en el Ballett Zürich del “Woyzeck” de Christian Spuck, escenificado en 2011 para el Ballet Nacional de Oslo.

Artistas de diferentes campos se unen para generar sus propios proyectos en la Fundación 'ACE.

La Fundación ‘ACE para el Arte Contemporáneo y el Proyecto´acePIRAR (Programa Internacional de Residencias ARtísticas), anuncia cuatro convocatorias abiertas para el trimestre Mayo-Junio-Julio e invita a artistas visuales, arquitectos, fotógrafos, diseñadores, gestores culturales, y otros, a postularse para participar. La Segunda Convocatoria Abierta para residencias 2013 cierra el viernes 31 de mayo de 2013. Las solicitudes deben ser enviadas sólo digitalmente.

Este programa de residencias es uno de los principales proyectos que apoya la fundación y viene desarrollándose con continuidad desde el año 2005.  El programa tiene como misión promover las prácticas artísticas contemporáneas que utilicen la gráfica, la fotografía, el diseño y los nuevos medios explorando las manifestaciones híbridas y la pluralidad, a través de residencias de investigación, producción e intervención urbana, promoviendo el intercambio, la discusión, la experimentación y el trabajo en colaboración de artistas de todo el mundo.

´ACE es un centro autogestionado y sin fines de lucro de residencias artísticas en artes visuales localizado en la ciudad de Buenos Aires, Argentina. Sus programas de residencias, proyectos internacionales, exposiciones, clínicas de obra y talleres actúan como puentes que relacionan a los artistas extranjeros con los artistas de las provincias argentinas y a todos ellos con el entorno urbano y social de la ciudad, uno de los centros culturales de América Latina.

La fundación intenta ser un lugar inspirador para crear, único en su tipo en Sudamérica, que aspira a unir a los artistas alrededor del mundo y a reducir las distancias entre las diferentes técnicas y disciplinas artísticas.

Proceso de inscripción

Los interesados en postularse a una residencia en ´ace podrán hacerlo de manera gratuita mediante el siguiente proceso:

1) Solicitar Ios siguientes documentos haciendo click aqui:

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2) Entender los costos, términos, condiciones y lo que la matrícula de la residencia incluye o no.

3) Presentar la siguiente documentación:

- Formulario de inscripción completo

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Proceso de selección y notificación de otorgamiento de la residencia:

- El comité de selección de ´ace  otorgará las residencias teniendo en cuenta tres aspectos importantes: a) calidad del proyecto en relación con nuestros objetivos y enfoque artístico b) fundamentación de la obra del artista c) potencialidad para hacer el proyecto en nuestras instalaciones y con nuestra experiencia profesional.

- Después de comprobar la disponibilidad de la fecha, los proyectos seleccionados serán notificados a los artistas aproximadamente 30 días después del cierre de la convocatoria.

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